- Tres tomates - 1 solomillo ibérico (cortado en dados) - 1 cebolla - 3 dientes de ajo - 1 berenjena pequeña - 100 gr. de setas de temporada - 50 gr. de piñones tostados - 100 gr. de queso para rallar - 200 gr. de harina - 2 huevos
PROCESO COCINA
- Sellar la carne con aceite de oliva. Cuando se doren, apartar y reservar
- En ese mismo aceite, rehogar la cebolla, 2 dientes de ajo fileteados, las setas picadas y la berenjena picada.
- Para hacer la masa de pasta fresca, colocar la harina formando un círculo y dejando el centro libre, cascar los dos huevos e ir removiendo con la harina hasta formar una masa sólida. Una vez que la masa sea homogénea, espolvorearla con harina, envolver con plástico y dejarla reposar una hora en nevera.
- Cortar luego pequeñas porciones de masa, estirarlas con el rodillo, ayudándonos de harina, hasta que esté bien fina. Cortar tiras, espolvorear con harina y hacer forma de tallarines
- Para el pesto de tomate, poner en la batidora el diente de ajo que nos falta, dos tomates troceados, los piñones y un chorrito de aceite de oliva. Batir, incorporar el queso, salpimentar y volver a mezclar. Dejar reservado.
- Cocer la pasta en agua hirviendo con sal y un chorrito de aceite de oliva
- Añadir los dados de solomillo reservado al sofrito de verduras y mezclar con la pasta, cocina y escurrida. Agregar un par de cucharadas de pesto, saltear brevemente y apartar
- EMPLATADO: Colocar rodajas de tomate en la base, después la pasta con la carne y las verduras encima y finalmente añadir más pesto
HAY QUE SER FELIZ CON LA VIDA QUE TE HA TOCADO VIVIR, CON TU LIBRE ALBEDRÍO Y CON LO QUE CADA CUAL SEA VALIENTE DE CONSTRUIR
La novela más adaptada de la escritora Almudena Grandes necesitaba su versión teatral que llegará este próximo viernes a las 21:00 a las tablas del Teatro Ciudad de Marbella. Arantxa Aranguren, Rosa Savoini, Ana Labordeta y Ana Otero serán las encargadas de encarnar a estas cuatro mujeres de “Atlas de Geografía Humana” que tanto éxito han tenido durante dos temporadas hablando sobre su propio universo con mucho humor y con la necesidad de provocar buenas emociones en el espectador. Hemos tenido la oportunidad de hablar con una de sus protagonistas, Ana Otero.
P: ¿Cómo preparaste a tu tocaya, la que tus compañeras definen como “tía buena” en escena?
Ana Otero: Mi relación con Ana Luisa Fernández es una relación muy particular porque cuando yo leí la novela, siempre he dicho que es una de las que más he regalado en mi vida. Cuando la leí, me quedé fascinada con el universo femenino que describía Almudena y cómo lo muestra en sus diferentes historias. Al punto que pensé, “que buena historia sería esta para pasarla a un largo”. Y efectivamente años después, Azucena Rodríguez, gran amiga de Almudena la adaptó al cine. En aquel momento, yo me quedé con las ganas de hacer alguno de los personajes y finalmente no accedí al casting. Cuando me llamaron del Centro Dramático Nacional para hacer esto, no me lo podía creer y me sentí una absoluta afortunada. Siempre es una fortuna poder trabajar en tu oficio pero, en este caso, fue un regalazo. ¿Cómo abordé este personaje? Desde todo lo que me diferencia de Ana. Es la primera vez que interpreto a un personaje que se llama como yo y que, aparentemente, rezuma contemporaneidad. Parece que somos muy cercanas y, sin embargo, la realidad vital de esta mujer es muy distinta a la mía. Es una mujer que ejerce de madre soltera, se casa con apenas 18 años, fue a la universidad y se ha ido construyendo así misma, es muy peleona, muy decidida y valiente con la vida. Lo que la identifica con los demás personajes es su temprana maternidad. He trabajado también desde el sentido del humor que me interesa mucho.
P: Cuando dices que Almudena Grandes describe muy bien el universo femenino, siempre se tiende a pensar que va a ser una obra feminista y se confunde con el tipo de mensaje y lo que se habla en la historias
Ana Otero: Eso pasa por todo lo que lleva de tergiversación el término “feminista”. A mí me da, a veces, un poco de congoja porque se ha manipulado el término y se ha utilizado partidariamente, como pasa con el lenguaje, hacia una cosa u otra en función de lo que convenga al discurso de turno. Inevitablemente, Almudena es feminista pero en este caso, lo más importante es lo femenino. Lo femenino es algo universal que habita en cualquier ser humano. No es patrimonio exclusivo de las mujeres, afortunadamente. La femineidad es algo que está en hombres y mujeres como la masculinidad a la inversa. En este caso, es muy interesante como ella plasma la femineidad en las mujeres que están presentes en la escena y cómo habla de la feminidad de los hombres que están ausentes y que, sin embargo, están completamente presentes en la boca de ellas. Es muy interesante el viaje que ella hace con esto. La inteligencia y la generosidad de Almudena desde el punto de vista creativo como hace con todas sus obras, aquí está presente desde el humor. Es algo muy importante, también. Podrían ser mujeres quejumbrosas que se regodean de sus circunstancias y para nada. Hay mucha ternura y la gente se ríe muchísimo. Se ríen porque empatizan y si empatizas es que te estás identificando con lo que está sucediendo en escena, sino tomas distancia y aquello no te interesa nada. Mantener la atención en un suceso escénico que se basa sobre todo en la palabra, a veces no es fácil. Aquí sucede con una fluidez que tanto para los que estamos en escena como quién está de público es muy de agradecer.
P: El hecho de que los personajes de Almudena que se desnudan completamente se interpreten en el teatro, creo que ayuda más a que el espectador se identifique con ellos
Ana Otero: Espero que sí. Así ha sido en las dos temporadas que venimos haciéndolo. La adaptación de Luis García-Araus merece nuestra absoluta gratitud porque era muy difícil. Pasar del ámbito literario al dramático es una cosa muy complicada. No te puedes quedar en lo discursivo y con otra particularidad, la novela, además, comienza desde el punto de vista de Ana y empieza a dar información sobre todos los personajes, es el elemento catalizador y es un discurso que se abre en cuatro voces. Desde el punto inicial, se van viendo las voces de las demás chicas de ese grupo de mujeres que después se hacen amigas. Y no era fácil pasar de ese discurso literario al dramático de la mano de un hombre. Es un ejercicio, no sólo de audacia e inteligencia dramática, si no además de generosidad. Él se ha tenido que poner en el lugar de esas voces. Ha hecho una labor magnífica, sintetizar ese libro en hora y media tiene mucho valor. Los personajes lejos de perder presencia, tienen su lugar específico a nivel escénico cada una de ellas. Es muy coral todo el tiempo.
P: Una premisa fundamental es que construimos nuestro propio atlas buscando el amor y en esa aventura están las experiencias que uno se lleva de esta vida. Buena moraleja para los tiempos que corren.
Ana Otero: Ahora y en cualquier momento de la vida. Para bien o para mal eso es una premisa existencial que no está sujeta a las modas. Es pura supervivencia. Lo que se ve en la función que vivas o no vivas en pareja, por encima de todo, tu centro tienes que tenerlo tú en tu interior. Ser feliz con la vida que te ha tocado vivir, con tu libre albedrío y lo que cada cual sea valiente de construir. Todo eso con mucho humor, insisto. Los personajes de la novela de Almudena tienen menos humor que los personajes escénicos. Ahí si que veo una diferencia. En la adaptación y puesta en escena, sucede algo que a mí me parece muy audaz y es que rompemos el aspecto generacional del grupo. En la novela, las cuatro mujeres son de treinta y tantos años y aquí hay una variedad de edades entre ellas. Empiezan a los 40 y van subiendo hasta el personaje de Marisa, que es la más mayor de todas. Esto es maravilloso porque no la circunscribe, no es un problema de una generación. Habla de una manera mucho más universal de circunstancias que atañen, en este caso, a cuatro mujeres pero que le puede pasar a cualquiera. Hablan del paro, de la revuelta social, de los hijos, del amor y de follar, hablan como cuatro adultas. Esto, por cierto, es otra cosa que yo agradezco mucho. No ver cuatro mujeres solo hablando de trapos o de si me opero las tetas. Es que parece que vivimos en una sociedad muy reducionista en la cual las mujeres no sé qué somos. Hay veces que veo cosas que no reflejan la mujer real. Hay muchos tipos de mujeres y no éstas que se empeñan en colarnos. No hay que estar respondiendo a las expectativas ajenas sino defender tu propio lugar, en definitiva. Al final de lo que hablan estas mujeres en la obra es de darle un corte de mangas a la vida y a los hombres que se empeñan en que seamos como ellos quieren que seamos. Y abrazar a los que no se empeñan en eso y son buenos compañeros de viaje. Ese discurso puede ser bueno para un chico o para una chica.
P: Actuáis con música en escena, ¿cómo forma parte del argumento?
Ana Otero: La música en la novela de Almudena está absolutamente presente. Ella marca como una especie de mapa sonoro que recogió el director, Juanfra Rodríguez, y lo decidió incluir físicamente en la función. Nos acompaña un músico, nuestro único compañero masculino, que representa la presencia de lo masculino en todo este recorrido de “Atlas de geografía humana”. En mi caso como actriz, no ya como intérprete, la memoria sensorial funciona de una manera brutal y la música te ayuda muchísimo a cambiar de atmósfera constantemente. La función tiene un ritmo vertiginoso, sobre todo la primera parte, la segunda es más pausada porque están cenando con un vino rico y ya se sabe, se describe la típica cena de cuatro amigas que acaba como el rosario de la aurora pero en la primera parte la música ayuda mucho a este devenir vertiginoso. A la gente le fascina, el público agradece mucho esto.
P: Tengo que confesarte que es la primera vez que voy a tener la ocasión de verte en el teatro, ¿qué te aporta el teatro en tu profesión?
Ana Otero: El teatro en mi vida es como un sacerdocio, algo inevitable. A veces, uno vive rehén de su vocación y, en este caso, esto es así. Yo no concibo el trabajo actoral sin hacer teatro. El teatro tiene que cumplir esa función de modificar el momento, el aquí y el ahora de la gente. Tanto para el que lo oficia como para el que lo presencia. Ojalá cada función que uno hace, modificara un poquito el aquí y el ahora de la gente. En ese sentido, como es tan poderoso y genera tantas cosas tan grandes, para mí es algo irrenunciable. Es mi forma de vida. Es inconcebible sólo como hobby o algo menor. No es una alternativa a otros medios. En mi caso, son veintitantos años viviendo de esto. No ha habido un sólo año que no haya hecho, por lo menos, una función. Ha habido alguno que he tenido más de una función. También porque haces una función y te vas de gira y tiene una vida. Suelen durar un curso, un año, una temporada. Es el magma en el que uno va creciendo, esta es otra cosa muy interesante de este trabajo, vas creciendo y vas cambiando con ese crecimiento, vas evolucionando y tu trabajo escénico también cambia en función de eso. Benditamente, va cambiando también. Presenciar eso de uno mismo es una cosa muy impresionante también, peligroso y doloroso, a veces, porque muy a menudo, y con la que está cayendo más que ocio lo que da es bastante dolor. Hay menos trabajo y se cobra peor. Todas estas cosas pero no me voy a poner intensa. Está bien ir viendo cómo vas evolucionando con tu propio trabajo, a pesar de que vives muy expuesto también. Tampoco me gusta menos que el cine o que la tele, también te lo digo. Son medios diferentes y como tales cada uno tiene su importancia dentro de la carrera de uno. En función de lo que quieres expresar, utilizas un medio u otro. Aquí el problema del actor es que uno no elige el medio en el que quiere trabajar, el medio te elige a tí. Es muy falaz esa visión de este actor sólo hace teatro y no le gusta hacer tele o al contrario. Este actor hace mayoritariamente aquello en lo que le llaman. Hay muy pocos actores en este país que tengan el poder de decidir.
P: ¿De verdad crees como dice tu personaje que “a veces, aunque parezca increíble, las cosas cambian”?
Ana Otero: Por supuesto. Esto es lo único en lo que Ana Luisa Fernández Robles y yo nos encontramos al cien por cien. Por supuesto que las cosas cambian, por supuesto que tenemos el poder de cambiar las cosas y por supuesto que el libre albedrío no nos lo arranca ni el político más corrupto del mundo. A lo mejor, una mala enfermedad del carajo. La salud es jorobada porque cercena vidas y es jodido. Pero nosotros tenemos el poder de cambiar las cosas, el poder y, a día de hoy el deber. En esto coincido plenamente con el personaje. Hay que ser esperanzador. La función tiene ese mensaje esperanzador finalmente. Resumen de ello todo el tiempo pero, al final, lo verbalizamos de manera descarada porque, además, está en la novela, no nos lo inventamos nosotras. Lo defiende Almudena Grandes en su discurso pero nosotras lo asumimos como nuestro porque hay que dar este mensaje esperanzador a la gente. Claro que las cosas cambian, tenemos que creer que si.
Pues ya saben, esperanza, humor y buen teatro, no hay mayores motivos para que no se pierdan “Atlas de Geografía Humana” y comprobar ese gran trabajo actoral, disfrutar con la música y reflexionar sobre ese mensaje alentador para nuestras vidas.
Las entradas las pueden comprar en la taquilla del teatro y en el servicio de venta de entradas en El Corte Inglés.
LA MÚSICA TIENE UN PODER QUE
MUCHAS TERAPIAS NO CONSIGUEN
Vanesa Martín ha empezado el nuevo curso escolar apostando por un disco muy personal, con canciones que llegan aún más al corazón y que te invitar a escribir tu propia crónica. “Crónica de un baile” es el resultado de un trabajo realizado durante la trayectoria de la artista de sacar la emoción con su letra y música prometiendo una gira de conciertos que va a sorprender a sus seguidores y a los que sigan descubriendo su talento. Hemos tenido la oportunidad que nos cuente sus impresiones y ese gusanillo previo a comenzar su siguiente aventura musical.
P: Desde que imaginabas tu carrera musical, ¿sabías que la composición iba a ser primordial?
Vanesa Martín: No me di cuenta. Cuando a los 12 años compuse mi primera canción, era un desahogo desde entonces. Necesitaba expresar de alguna manera y coincidía que como tenía en esa época la guitarra, me acompañaba con ella y hacía canciones. También escribía cosas que no eran canciones y, de repente, cuando empecé a cantar metía canciones mías, las intercalaba con canciones conocidas para que la gente no se aburriera mucho.
P: Es un disco con una protagonista absoluta, las letras
Vanesa Martín: No es que las protagonistas sean las letras sino que la música está al servicio de la letra. Yo compongo la mayoría de las veces haciendo a la vez la música y la letra, según lo que quiero decir le acompaño una música acorde desde mi punto de vista. Entonces, sí es verdad que a la hora de arreglar las canciones las he querido desnudar lo máximo posible y pensar mucho en el momento en que metíamos en ellas por no quitarle protagonismo a la letra. Pero la melodía tiene un gran protagonismo porque, de hecho, hay melodías que surgieron antes que la propia letra por ejemplo en “Sin saber por qué”. Hay que encontrar la combinación perfecta entre letra y música.
P: Evidentemente nunca vas a bajar la guardia en cuanto a la calidad de cada trabajo que presentas, pero sí es verdad que ya no tienes que demostrar cual es tu seña de identidad. Ya se sabe cual es el “estilo Vanesa Martín” y no necesitas carta de presentación
Vanesa Martín: Hay un hueco sobre todo al principio donde la gente tiende a compararte y a etiquetarte. Odio las etiquetas. Cuando me preguntan, ¿qué tipo de música haces? Pues si me aprietan y me apuran, yo digo, “yo hago música”. Por suerte, es mi camino y mi manera de entender la música, de expresarla y decirla y contarla. No hay más. Es de manera natural, lo que sale es lo que hay. No se trata de demostrar, se trata de emocionar.
VIDEOCLIP DE SU PRIMER SINGLE "SIN SABER POR QUÉ"
P: ¿A qué quieres invitar a la gente cuando escuchen la “Crónica de tu baile? Vanesa Martín: Yo siempre digo lo mismo. Si la cultura te provoca ganas de más cultura, está más que amortizado el esfuerzo. Si escuchando mi disco, en tu caso te han entrado ganas de escribir para mí es buenísimo y me hace feliz.
P: Con este disco aún es reciente, pero ¿te han contado ya crónicas de anteriores canciones tuyas?
Vanesa Martín: Es curioso porque vienen a lo mejor a los conciertos y me cuentan qué les ha pasado lo mismo que cuento en la canción, de hecho, he leído algún comentario en twitter de historias de mi vida que están reflejadas en tus canciones. Más o menos, en la vida todos pasamos por las mismas estaciones pero cada uno lleva sus matices y su manera de expresarse y gestionar las emociones.
P: Mucha gente se ha sorprendido en tus directos porque se envuelven en tus canciones de una manera más calmada e imprimes una descarga de adrenalina contagiosa nada más interpretas el primer tema, ¿seguirás en esa tónica?
Vanesa Martín: Eso nace y muere contigo. Las ganas de subirme a un escenario, la adrenalina del directo y el respeto que le tienes al público hacen que cuando son las 9 de la noche y te toca salir hay que disfrutarlo y vivirlo a tope. Yo no entiendo que cantar más alto significa cantar bien, hay que cantar las cosas en su tono justo.
P: ¿Cómo van a ser esos directos?
Vanesa Martín: Tengo una banda que es alucinante. Conservo el 80%, por lo tanto prácticamente son los mismos que han venido siempre. Uno de esos cambios va a venir con Joseíto Marín que es compañero mío de Facultad y yo feliz. Espero que sea una etapa que nos de muchos buenos ratos a los dos y a toda la banda
P: Viendo el making off, me he sorprendido que explicaras que a la hora de grabar este disco, has tenido ganas de llorar
Vanesa Martín: “Cuestión de piel” fue un disco que me hizo vivir muy buenos momentos personales y profesionales y fue un disco que me posicionó bastante. Más que de explosiones de locura, fue un disco de crear cimientos muy gordos y de decir “aquí estamos y tenemos unas raíces fuertes”. Ahora queda seguir creciendo, seguir aprendiendo y seguir construyendo pero, de repente, cuando has vivido un año de muchos cambios, parte del equipo y manager era un vértigo. Es como decir, con todos esos cambios, ¿me habré equivocado? Entonces cuando entré al estudio que ya era grabarlo para siempre, me di cuenta de todas las cosas que había cambiado en estos dos últimos años, que yo creo que todos los cambios son para bien pero no deja de provocarte cierto respeto cuando ya sabes que es para siempre
P: En el disco, en “Crónica de una baile” encontramos las letras de los discos y un cuidado y una atención especial a la persona que apuesta por tu música
Vanesa Martín: Lo tengo en los dos formatos: digital y físico. Y no sabes como acertar porque no llueve a gusto de todos. La gente del digital se queja de que no puede acceder a los conciertos en acústico y los que compran el disco físico que porqué no vienen las dos canciones extra del digital. El caso es que cada uno merece una recompensa por haber hecho el esfuerzo económico de comprarse el disco y después por haber apostado por la música y que es cultura y tiene que entrarnos ya eso en la cabeza. La música tiene un poder que muchas terapias no consiguen. Y si tienes la capacidad de remover a alguien para bien, que tenga su formato físico, que tenga donde esconderse leyendo unas letras, unos agradecimientos y ojala se pudiera hacer en vinilo pero son otros tiempos, al menos tiene ese toque romántico que lo recuerda. De hecho, mi padre cuando le traje ayer el disco que vine de Madrid y lo vio, le dio esa sensación como cuando compraba sus vinilos.
P: En una de tus letras dices “A Sabina le bailé más de una letra”. ¿Con cuál de las tuyas quieres que bailemos?
Vanesa Martín: Yo quiero que bailéis todas. Yo creo que la vida es un baile y hay que vivir para contarlo. No sólo hay que vivir, hay que arriesgarse y no perderse ni un solo detalle. Yo quiero contar todo lo que pasa.
P: Pues a mi me pasó con “Hablas”
Vanesa Martín: Estoy leyendo en medios y en twitter de ayer y de hoy que en “Hablas” no sé que tiene pero la gente se para y ni siquiera es un single. Para mí, es una burbuja de oxígeno. Empiezas muy fuerte, paras, “Hablas” y después vienen otras historias que también tienen su fuerza y terminas con “Yo me pido vida” que es morirte ahí. Me ha sorprendido que “Hablas” es una de mis talismanes, yo decía si o si estará en el disco e hice mucho hincapié en la manera de arreglarla con esas dos guitarras tranquilitas con las que va empezando y me ha sorprendido y me he cerciorado que no me equivoqué. Normalmente te dejas asesorar cuando haces el primero, y con “Cuestión de piel” fui súper escrupulosa con el repertorio pero es que con “Crónica de un baile” he enseñado sólo las que yo creía que tenía que enseñar. He sido muy celosa con todo lo que saliera porque querían que fueran 12 canciones, 14 en el formato digital, de las que yo estuviera convencida al cien por cien. Letra y música y que no hubiera un mínimo matiz de pero.
Las próximas fichas de firmas de
discos de Vanesa Martín con los acústicos para los compradores de los primeros 150 discos de "Crónica de un baile", las podéis consultar en este enlace:
Escriban sus crónicas a través de las emociones que Vanesa les provocará con sus letras. Será la mejor recompensa que le podáis dar a ese esfuerzo y dedicación por ser única en sus historias. Yo ya estoy empezando a escribir la mía.
Además de comenzar el nuevo curso con el resumen de prensa habitual, os ofrezco la mejor manera para empezar esta semana y arrancar el lunes, un nuevo podcast original y diferente de Mario Armario en su "Podcasteca". En esta ocasión, podréis escuchar canciones mas adecuadas y no tan habitualmente utilizadas para hacer un striptease... La selección es fantástica, ¡ pinchad en el enlace y darle al play ! http://www.ivoox.com/streeptsongs-audios-mp3_rf_3424776_1.html
